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Tous les musiciens sont-ils fous? – Connaissez votre instrument

Être un artiste musical dans le statu quo signifie graviter vers votre fin. Pourtant, être un musicien célèbre est très demandé et rêver. Cette énigme en a beaucoup, y compris les artistes eux-mêmes, qui se demandent: si tous les musiciens sont irrévocablement fous, qu'est-ce qui nourrit cette folie? Pour mieux comprendre s'il est dans la nature d'un musicien de voler trop près du soleil ou si ce destin est provoqué par un point d'appui qui les pousse à voler en premier lieu, nous devons d'abord comprendre le paradoxe fou du musicien.

D'une part, l'étoile montante renaît et se reconstruit à travers la musique, et a ainsi donné des instruments d'éveil spirituel avec lesquels se libérer d'un monde ou d'un corps qui les rend fous. D'un autre côté, les conditions matérielles de l'industrie musicale alimentent ces mêmes incendies de folie à travers un chemin enragé d'épées à double tranchant infinies, intimement mêlées de formes interconnectées d'annulation interne et externe. Si l'artiste est déjà brisé, c'est certainement le système par lequel il produit de l'art qui garantit que toutes les opportunités de reconstruction restantes sont annulées.

Ces formes d'effacement interne et externe sont stupéfiantes. Connectés au monde extérieur à la musique, ils méritent un engagement rigoureux et compatissant envers les conditions matérielles, psychologiques et spirituelles. Bien que ces conditions puissent être examinées une à la fois dans des contextes distincts, tels que la relation entre l'anxiété d'exposition et l'épuisement des concerts ou en ce qui concerne le sexisme raciste en musique, il reste beaucoup à faire dans rejoindre les points entre les parties pour révéler l'ensemble complexe qui a laissé derrière lui un réseau d'artistes épuisés, traumatisés, déconnectés, détachés et morts.

L'objectif d'une analyse de grande envergure, matériellement intersectionnelle et spirituellement compétente comprend, mais sans s'y limiter: la gymnastique standard de l'industrie du concert, y compris l'exécution de hauts et de bas irréguliers; l'isolement et la déconnexion des tournées; pressions internes et externes pour concurrencer ses pairs – passés, présents et futurs, morts ou vivants; le tueur silencieux connu sous le nom de dépression; la culture addictive de la toxicomanie, y compris l'alcoolisme; la guerre contre la drogue qui cible de manière disproportionnée les Noirs, en particulier les Noirs; le manque cruel d'attention et de soins pour les handicaps physiques et mentaux; la prolifération des abus et des abus sexuels réduits au silence par de nombreuses coalitions sans nom de méchants glorifiés et qui n'ont pas de comptes à rendre; le manque embarrassant de représentation de genre résultant d'un monde dominé par les hommes, y compris l'hostilité envers les homosexuels, les trans et les non-genres; le doublement de la conscience vécue par ceux qui maintiennent des emplois qui nécessitent le sacrifice de soi; le stress atroce de la vulnérabilité économique et de l'exploitation ressenti par ceux qui vivent avec moins, y compris ceux qui viennent de peu ou rien au départ et ceux qui vivent avec moins par choix; et le choc des civilisations provoqué par les différences raciales, ethniques et culturelles qui préfigurent le «succès».

Alors pourquoi le faisons-nous? Nous devons être fous. Après tout, la musique devrait sauver le producteur de musique – et pourtant, là où le monde est beau, il est aussi cruel. Nos talents sont cooptés et commercialisés par le «monde réel»; nos corps, nos esprits et nos esprits sont plongés dans une chute libre existentielle de nombreuses facettes, excessivement torturée, remplie d'une série de situations dangereuses et d'abus systémiques dans un monde déjà déstabilisé, tout cela au nom de la création d'un espace pour nous-mêmes.

Pour les musiciens, «normalité» et «succès» s'excluent mutuellement. Cela crée un frottement de type aimant qui nous lance vers le chemin le moins suivi. Ce chemin, souriant d'avance sur certaines de ses difficultés mais douloureusement trompeur à d'autres égards, attire finalement facilement le musicien en offrant les fruits de l'accomplissement spirituel, des délices terrestres et un revenu digne d'être écrit à la maison. Nous suivons ce chemin pour trouver un moyen de sortir du statu quo. Ce qu'il faut alors, c'est une sortie de la "sortie", ce qui nécessite un changement simultané du statu quo. En tant qu'artistes musicaux et consommateurs de musique, nous devons nous donner à nous-mêmes et aux autres les moyens de nous élever au-dessus de la culture habituelle du complexe musical et industriel qui consomme les artistes aussi rapidement qu'ils consomment leur art et capitalise sur un monde distrait – un monde qui cela vous donne envie de vous échapper à quelque chose comme le monde de la musique en premier lieu.

Amy Winehouse gaspillée

Mais que signifie cette révolution? Ressemble? Pour commencer, l'art d'expression lui-même doit être repensé à la lumière de ces obstacles tangibles et intangibles. Alors que les artistes dédient des chansons, des albums et de grandes discographies pour revendiquer désespérément leur humanité et témoigner du poids qu'ils (et ceux pour lesquels ils exercent), un double lien continue d'émerger: soit les masses ne décodent pas le message tant qu'il n'est pas trop tard ou ils comprennent trop bien mais ne peuvent toujours pas sauver leurs héros, probablement parce qu'ils ont du mal à se sauver. La mort par suicide, d'une manière ou d'une autre, est devenue hyper visible et omniprésente dans la musique. Il fonctionne de manière très similaire à la gravité, marquant une destination probable pour ceux qui ont le courage de se montrer – même en poussant leurs familles, leurs fans, leurs collègues et l'industrie elle-même vers un endroit similaire et tordu.

Alors à quoi bon faire un pas en avant et s'exprimer en musique si votre existence entre les performances vous oblige à reculer de deux pas? Lorsque nous ne pouvons pas nous payer des soins de santé, que nous sommes confrontés à des abus interpersonnels continus de la part d'autres personnes sur le lieu de travail et lorsque nous adoptons un style de vie qui garantit notre mort ou notre détention imminente, nous devons être prêts à admettre que la musique il suffit de nous sauver. La scène n'est peut-être pas le seul site d'endurance, de refuge et de récupération – et pourtant la musique est puissante dans un contexte plus large si le travail est effectué en dehors du domaine artistique pour lui donner un nouveau sens.

Cela ne veut pas dire que la musique n'a pas sa place dans sa propre révolution. Nous avons besoin d'une permutation – à la fois un changement dans le monde de la musique et sa sœur, hors du monde – a combiné les efforts qui cherchent à autonomiser les artistes du secteur de la musique en renversant cette même industrie et en combattant les structures sociales oppressives. L'extérieur nous pousse à échapper à nos réalités.

Peut-être que tous les musiciens sont fous, mais cela ne devrait pas être à la portée de notre attention. Le monde musical est le reflet tordu d'un monde extérieur déjà tordu et pousse depuis longtemps les artistes musicaux à leurs limites physiques, émotionnelles et mentales. Les musiciens voulaient sortir du statu quo et le statu quo leur a donné une boîte de Pandore. Maintenant, ils ont besoin d'un moyen de sortir de "la sortie". Eh bien, si nous voulons arrêter toute cette folie, nous devrons changer notre approche à la fois du "monde réel" et du monde de la musique – et bien que ce ne soit pas facile, toute cette mort ne peut pas être plus difficile que l'estomac. Parce que si la mort de la musique se produit, que se passera-t-il avec la mort de nous tous?

Écrit par l'écrivain Matt Casas

Article Partagé et Traduit pour notre Communauté – Source ici

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